借りてきた猫のように

――フィクションの中で生きる~映画・小説・音楽・マンガなどの日常――

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この世界の片隅に(2016年12月31日)

 アニメ映画『この世界の片隅に』についてはすでにあまりにも多く語られているので、つけ加えることは何もないのだが、舞台となる呉市出身である私の母親を連れて映画館に行ってきた「雑感」を記念に書き留めておきたい。
 とはいえ結論から言うと、私の母親は終戦時にはまだ幼児だったために物語から新たな逸話を引き出すこともほぼできず、厳密には市街地から若干離れた街の出身なので何を尋ねてもあやふやな反応しか得られなかったのだが、よく考えてみれば、母親と一緒に映画館で映画を観ること自体が新鮮な体験である。

 私自身も呉で生まれているもののその地で育ったわけではないという立場から(里帰り出産による)あらためて思ったのは、原作者も監督も実際の出身ではない場所を舞台にしている事実はことのほか大きいのかもしれないなということ。呉は原作者のこうの史代にとって母方の家系の郷里であるようで、伯母にあたる方に対して謝辞が捧げられている。
 また、大阪出身の片淵須直監督は先行する作品『マイマイ新子と千年の魔法』(2009)において、広島の隣の県である山口の防府を舞台としてとりあげており、9歳の主人公「新子」のお母さんが昭和30年に29歳であるという設定が、遡って昭和20年に19歳となる『この世界の片隅に』の主人公と「重なる」偶然の必然性について述懐している。『マイマイ新子と千年の魔法』の原作は、高樹のぶ子による自伝的小説『マイマイ新子』(2004)であり、山口県防府市は原作者の郷里である。「日本版『赤毛のアン』を現代に」という狙いを込めた自伝的小説をアニメ化する際に、空想好きな主人公の想像力が千年の時を超え、平安時代の周防の国と結びつく様をファンタスティックに「視覚的」に表現している点に特色がある。
 結果的に『マイマイ新子と千年の魔法』は公開当時、興行的に低迷し、打ち切りの憂き目にあってしまうのだが、制作途上、資金面で行き詰まった『この世界の片隅に』を救うことになるクラウド・ファウンディングの大成功を主に支えたのは『マイマイ新子と千年の魔法』のファン層であり、広島・山口に代表されるローカルな地方の風景とことば(方言)を精緻に描く、この二つの物語は分かちがたく結びついている。『この世界の片隅に』の評判を得て、『マイマイ新子と千年の魔法』の再評価がもたらされてきており、2017年1月8日には公開時に初日舞台を行った新宿ピカデリー劇場にて監督の舞台挨拶付アンコール上映が行われる予定である。
 二作品共に風景とことば(方言)が丹念に描かれているのだが、『この世界の片隅に』の方が時代考証など様々な面でより一層発展している。航空史研究家(学研『太平洋戦史シリーズ』など)としての側面も併せ持つ片淵監督により、特に昭和18年から21年頃の呉の状況が一次史料を徹底的に踏まえることで、視覚文化であるアニメ表現を通して再構築されているのだが、単に史料の再現として正確なだけでなく、当時を知る人たちの話に耳を傾ける地道な活動の成果が細部の描写に人間味や真実味をもたらしている。例えば、広島から呉への物理的距離は物語中において汽車の移動によって示されているのだが、呉線で呉に向かう直前にトンネルを抜けると軍港・呉が現れる。戦艦「大和」建造を秘匿するために当時はトタン板で覆われていたそうで、そのトタン板が「銀色」に塗られていたために太陽光が反射して車内は大変な「暑さ」になっていたという。
 マンガの原作をアニメ化する際に大きな特色として「色」は大きな役割をはたしており、「緑」豊かな山・段々畑・坂の街と海・空の「青」のコントラストは『この世界の片隅に』の物語においても基調をなしている。しかしながら、文字史料において「色」は辿りにくい側面であるにちがいなく、もっとも再現に苦心した点の一つであろう。加えて、匂いや温度(暑さ)など五感に訴えるのも本作品の醍醐味となっている。ローカルな風景やことばを、五感を通して愛情深く実証的に再構築する姿勢は、地元の出身者が抱く愛憎交えた、時に屈折した感慨とも異なるものであるかもしれず、出身でない者の視点に立脚しているからこそ特定の地域を細密に描きながらも普遍的な力を持ち、郷愁に誘う効果をあげているのではないか。
 二作品共に主題歌をコトリンゴが担当しているように、「音楽」も物語において大きな役割をはたしているにちがいないが、映画館でもっとも体感されるであろう「音」の効果は絶大なもので、爆撃機が旋回する「音」、爆弾が投下される「音」がひときわ不穏で恐ろしく感じられる。ほか、画面の構図・アングルも趣向が凝らされており、アニメ・メディアならではの「動き」をどのように表現しているかも含めて、「視点」「視覚」の面からの作品分析も有効であろう。
 『この世界の片隅に』は原作とアニメそれぞれのメディアの特性を活かしながら相互に補完しあっている点も絶妙であり、原作を先に読んでいる者であれば、動画としてのアニメ表現の技巧を楽しむことができるであろうし、アニメを先に観た者であれば、後に原作に触れることによって原作マンガの叙情性やマンガという表現メディアならではの実験性を堪能することができるであろう。
 原作は月2回刊行による雑誌連載として実際の歳月の流れと併せて展開されていたものであり、初出媒体で触れていた読者は実際にはそれほど多くないとしても、計3巻に及ぶ原作マンガの分量による体感時間と、2時間程度のアニメ映画とでは時間の流れ方も異なるものにならざるをえない。丹念に時間をかけて成長を描いた原作と比べれば、アニメ版の主人公すずは子どもっぽく映るし、物語の繋がりがわかりにくい場面も少なからずある。その点でも、アニメと原作マンガは相互補完的な関係にあり、双方のメディアを通して物語が完結するような構成になっているのもおもしろい。

 母親と一緒に映画を鑑賞している最中に、主人公のすずと年齢はまったく異なるものの、私の祖母もそういえば広島から呉に「嫁いで」きたことに初めて思い至った。私の祖母は妹夫婦を原爆で亡くしている。『この世界の片隅に』は「夫婦/家族」になろうとする物語でもある。そもそも私にとって祖母は「おばあさん」の姿でしかなく、祖母にも娘時代があったというごく当たり前のことをこれまでまったく想像したこともなかった。
 大きなテーマについて語ることができる作品であると同時に、「私」の領域で様々に「感じ」させてくれるのもこの作品ならではの魅力であると思う。













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世界の片隅のふるさとを訪ねて(2016年8月25日)

「第16回広島国際アニメーションフェスティバル」

 第16回広島国際アニメーションフェスティバルが8月22日に閉幕(於・アステールプラザ)。2年毎の開催で1985年の創設以来すでに30年を超える歴史を持つ。前回(2014年)は都合があわず参会できなかったので4年空いてしまうと久しぶりだが、同じ場所で同じ時期に変わらず開催してくれるのはありがたいことで、ホームに戻ってきたような居心地の良さがある。「今年はいつもより(来場者が)少ないなあ」という声もあったものの、プログラムや運営も落ち着いたものでイベントとしての成熟を随所に感じることができた。

 プログラムの基本構成はまずメインとなる「コンペティション」部門。今回は78ヵ国・地域から2248作品の応募があり、選考を通過した60作品が上映された。グランプリ作品に選出された「空き部屋」のチョン・ダヒ監督は韓国の女性監督。前回の第15回大会(2014年)ではノミネート59作品に日本からの作品が選出されず、騒然となったらしいが、それだけ本気のコンペティション。今回は大ベテランの山村浩二氏(優秀賞)から、多摩美大を卒業したばかりという岡崎恵理氏(国際審査委員特別賞)に、1985年生まれながらすでに各種映画祭で実績を積み上げてきている坂本友介氏(優秀賞)の3作品が入賞。
 アニメーション映画祭というと、どうしても商業的なエンターテインメントとしてのアニメ作品を期待してしまいがちなところであり、かつては家族連れががっかりして途中で早々に帰っていく姿を見送るのが定番の光景でもあったのだが、最近は「アートとしてのアニメーション」の側面にまつわる情報伝達が行きわたってきていて、「子どものためのアニメーション」、「ベスト・オブ・ザ・ワールド」などのプログラムをはじめ、アニメーションの多様性および歴史を体感できる格好の場になっている。アニメーションの原理を体験できる子ども向けワークショップから、大学や専門学校などの教育機関によるブース出展なども新たな潮流を作り出しているのではないか。
 今大会の目玉である「日本アニメーション大特集」は開催期間5日間にわたって、1910年代の最初期アニメーションから、実験性の高い現代の自主制作作品に至るまで一望できるのが最大の魅力であるのだが(2014年度は「ハンガリー」、2012年度は「ノルウェー」特集)、体力的にもよほどの覚悟がないと全部観られない。『AKIRA』(1988)や、ドキュメンタリー映画『マンガをはみだした男 赤塚不二夫』(2016)、「クリヨウジ・手塚治虫・川本喜八郎」の小特集など、もちろん一部だけ観てもおもしろい。本映画祭創設者の一人でもある木下蓮三「ピカドン」(1978)は何度観ても凄みがある。
 ほか、ドキュメンタリー映画『映画界の冒険家 カレル・ゼマン』(2015)、長編アニメーション映画『ファントム・ボーイ』(2015)、「フィンランド最新アニメーション特集」がおもしろかった。海外からの参加者も多いわけで、TVアニメ、アニメ映画など日本のアニメ文化、エンターテインメント分野の状況ももう少し概観できる工夫があればとも思うのだが、自主制作の個人作家の活動や世界のアニメーションをめぐる文化状況に光が当てられる貴重な場として定着していることは評価されてよいだろう。次回の開催は予定通り2018年8月の見込み。

 また、広島から電車で40分ほどの地方都市・呉市立美術館にて、「マンガ・アニメで見る こうの史代『この世界の片隅に』展」が開催中(2016年7月23日~11月3日)。かねてから制作状況が伝えられてきた片淵須直監督によるアニメ映画『この世界の片隅に』が満を持して11月12日に公開決定。クラウドファンディングによる資金調達と、それに連動する形で制作過程が様々な形で紹介される展開など、アニメ制作の新しいスタイルを示す代表例になることだろう。
 原作自体、戦時下の生活文化を詳細に描くところに特色があり、さらにアニメ化にあたり、当時の様々な文書・証言を踏まえた時代考証の徹底ぶりはそれだけで貴重な歴史研究になりうるもの。「ヒロシマ」を女性の視点で、少し離れた町から相対的に捉え直す試みとして、軍港・呉の舞台設定は絶妙であり、原作者の母親の出身地でもある。この展示会では、丁寧な風景・生活描写に恵まれた原作・アニメの豊富な原画展に加え、様々なトークイベントに、さらに地元の高校との連携事業(戦時中の食事やファッション)なども行われ、地域振興としても理想的でおもしろい試みが続いている。消費文化の傾向が進み、展示会開催までこぎつけたとしても、公開期間中の慌ただしい開催であることが多い中で、11月の公開までじっくり盛り上げていく長期開催の展示会となっていることも嬉しい。原作のこうの史代作品はその叙情性と実験性や遊び心に富む表現技法に特色があり、展示には作者の自作解説もふんだんに添えられていて見ごたえがある。公式アートブックは9月14日発売。
 作品のロケーションマップなども用意されていて観光産業としても頼もしいが、実際に舞台になっている境川の小春橋をまわってみると、どう贔屓目に見てもドブ川。あのー、昔の景観を残しつつせめてもう少し綺麗にできませんかね。とはいえ私の出生地でもあり、こうした形での注目はまさに望外の幸せ。アニメ映画の公開がますます楽しみに。







2016年1月5日

 アメリカ文化論への導入装置として「ディズニー」は万能に機能する存在であり続けており、マーク・トウェインやトム・ソーヤにしたところで、「あのディズニーランドにおいて特別に扱われているぐらいだからすごいのかもしれない」ということで関心を持ってもらえたりする。その後に繋げることが多い『バック・トゥ・ザ・フューチャー』(1985-90)にしても現役の大学生からすれば「生まれる前の古典」の扱いで「名前は聞くが観たことのない」作品になってしまっており、ブルース・スプリングスティーンに至っては「こめかみに脂汗をしたたらせながらシャウトしてるおっさん」以上の関心をなかなかもってもらえないのが現実だったりする。
 ウォルト・ディズニー・ファミリー・ミュージアムはサンフランシスコのゴールデン・ゲート・ブリッジ周辺、プレシディオと呼ばれる米国陸軍基地跡地に2009年にオープンした施設で、主にウォルト・ディズニーの生涯とディズニー・スタジオの遍歴をたどる展示が充実している。辺鄙な場所にあるのに冬休みの時期ということもあり、日本人大学生らしい人たちがちらほら。情熱のなせるわざなので趣味があるというのは素晴らしい。
1901年生のウォルト・ディズニーは20世紀メディア文化史のみならず、その歩み自体が激動の時代の20世紀と重なっていて年代順にその足跡をたどっていくことで時代変貌のダイナミズムが浮かび上がってくる。
アイルランド系移民としてのファミリールーツについて、あるいは、戦時中から冷戦期にかけての政府や反共産主義に対する関与などアメリカ文化史との関連だけでも重要な観点には事欠かないものの、このたびのミュージアム訪問で一番興味深いと思ったのは1964-65年のニューヨーク万博への関与と実験未来都市構想「EPCOT」について。この点については映画『トゥモローランド』(2015)の公開にあわせて様々に取り上げられているようだが、交通手段やテクノロジーの利便性と田園都市構想との共存など、「郊外化・消費文化」の流れに加えて1960年代の未来観が重ね合わされている点がおもしろい。ウォルト・ディズニーの父親イライアスが1893年のシカゴ万博に仕事で関与しており、その想い出話を子ども時代に聞かされたことがディズニーランドの着想に影響を及ぼしているのではという説もあるように、最晩年のディズニーの大きな仕事がニューヨーク万博のパビリオン設計となったのも20世紀メディア文化史の体現者として運命的帰結であるようにも思う(1964年のニューヨーク万博は会期などの基準を逸脱し、アメリカ中心主義・商業性が強いものであったために万博としては非公認扱い)。
「EPCOT」構想はフロリダのディズニー・ワールド・リゾート(1971年開園)で一部、テーマパークとして具現化されているのだが(1982~)、ニューヨーク万博にてディズニーは4つのパビリオン設計に関与しており、ジェネラルエレクトリック社提供パビリオンの「プログレスランド」ではオーディオアニマトロニクス(機械人形)により、電化製品の発展史とアメリカ中流階級の家庭像の変遷をたどっている。あるいは、ディズニーの出身地であるイリノイ州提供のパビリオンでは、同じくイリノイ州議員として政治活動を展開したリンカーン大統領の機械人形を展示。冷戦期からカウンターカルチャー/公民権運動にかけてのリンカーン再評価の流れと併せて見ていくと、アメリカ中心主義を象徴するニューヨーク万博にて、ディズニーの手によってリンカーンが復活するというのも象徴的に映る。自動車会社フォード社提供パビリオンの「マジックスカイウェイ」では、車に乗って恐竜のいた先史時代から人類の歴史を一望するアトラクションで、鉄道好きでも知られるディズニーの乗り物文化に対する相性の良さも良く現れている。

 このたびのミュージアム訪問でもう一点興味深く思ったのは、初期映画「アリス・コメディ・シリーズ『マンガの国のアリス』」(1923-27)と称される、それぞれ6分から10分程度の短編映画群。実写映画を軸に女の子がアニメーションのファンタジー世界に入り込むという体裁をパターンとするもので、さらに遡り、アニメーション映画草創期のウィンザー・マッケイの代表作『恐竜ガーディ』(1914)やフライシャー兄弟『インク壺の外へ』(1919)などにおいても現実と空想の世界を繋ぐ形でアニメーションが機能している。
「アリス・コメディ・シリーズ」は当時、発足したばかりのディズニー・カンパニーの財政基盤を支えたヒット作であったにもかかわらず、実写映画の技量に乏しく、猫のキャラクター(ジュリアス・ザ・キャット)も物語のアイディアも先行作品の模倣が目立ち独創性に欠け・・・と今日では人気も評価も低いのが実情であるのだが、トーキー映画の誕生期となる1927年までに計57作、海に行ったり、ジャングルに行ったり、幽霊が出てきたリ、異国情緒あふれる外国を旅行したり、闘牛をしたり、風船に乗ったり・・・とステレオタイプによる図式化なども含めた上で当時の冒険世界の捉え方が見えてくる。フランスのコミック『タンタンの冒険』(1929-76)を連想しながら展示を眺めていたのだが、その点でも女の子が主役の冒険物語というのはおもしろい。ヴァージニア・デイヴィス(1918-2009)から計4代の子役女優が代替わりで主役をつとめている。

 ほか、アメリカ合衆国が第二次世界大戦に参戦する直前の1941年にウォルト・ディズニーが中南米親善大使として南米旅行を敢行し、『ラテン・アメリカの旅』(1942)、『三匹の騎士』(1943)の作品制作に関与しているのも、政治文化状況や表層的な異文化理解などをめぐる批判も視野に入れた上でなお興味深い素材。満州映画協会の国策事業とソフトパワーの政治的力学などの観点から比較することで見えてくることもありそうだ。
また、ウォルト・ディズニー制作による『砂漠は生きている』(1953)、『滅びゆく大草原』(1954)などのドキュメンタリー映画を通して、自然観、動物観やドキュメンタリーの捉え方なども文化史や作家研究の観点で捉え直してみてもおもしろそうだ。『砂漠は生きている』は日本でも年代によって学校行事で鑑賞した(させられた)経験を有するようであるが、ウォルト・ディズニーほどのメジャーな表現者の作品が、一部のファンや研究者を除いては、実は意外に共有されていないのではないかということにあらためて気づかされた。
 さらに特別展「ディズニーとダリ――想像力の設計者」も行われていて、1945年頃に共同制作を進めながらも生前には完成に至らずに終わった短編アニメーション映画構想『ディスティーノ(運命)』(6分)もあった(2003年にディズニー・カンパニーにより発表)。シュールレアリズムのサルバドール・ダリ(1904-1989)と同時代人と言われれば確かにそうかもしれず、とりわけ夢や無意識の領域をどのように視覚的に表現するか、という観点はディズニーとの交流を超えて気になるところではある。とはいえ今の私にはさすがに消化不良なので190頁ある図録をこれからゆっくり楽しみたい。図録で印象深いのはダリのマルクス兄弟への傾倒ぶりでその思い入れの強さが凄い。










2015年8月7日


 中学時代の同級生女子と大学時代の同級生女子(配偶者)と3人で「女子会」。違うか(笑)。
将来、こちらの配偶者を紹介したり、相手の配偶者についての話を聞いたり結婚写真を見せてもらったり、という未来は中学生の頃はさすがに想像しなかったなあ。次に会うのが27年後になるということももちろん想像できなかったけど。中学生時代に過ごしていた町を車で案内してもらいながら昔話をしていると、長い間、過ごしたはずの町なのに景色がまったく違って見えるのがとても新鮮。

 お互いの話をすればするほどこれまでまったく違う世界で生きてきた「遠さ」が浮き彫りになり、学区再編で別れてしまったぐらいなので当時であっても生活文化圏も異なるので、だからこそ27年もの間交錯することもなく過ぎてしまったわけで、「ほんの一時期、教室という同じ空間で同じ時間を過ごしていた」ことさえもが今となってはかえって不思議なぐらいなのですが、「ほんの一時期、同じ空間で同じ時間を『偶然たまたま』過ごしていた」「だけ」のことで、30年近い歳月の隔たりやまったく異なる世界での人生の「遠さ」を乗り超えて、こんなに「近く」話ができるのが本当に不思議な感じ。幼なじみと言えるような密な関係とも違うんだけど、同級生というのはありがたい存在ですね。

 その会合の前日に「THE 世界名作劇場展~制作スタジオ・日本アニメーション 40年のしごと」(東京・池袋東武百貨店にて2015年7月30日~8月18日開催中)に行ってきました。キャラクター設定の原画、中でも高畑勲が演出・脚本、宮崎駿が場面設定を担当したことで知られる『赤毛のアン』(1979)の宮崎駿直筆レイアウト約30点の展示が壮観。『世界名作劇場』は一年かけてじっくりと一つの物語が描かれていったところに最大の特色があって、登場人物たちとそれこそ同じ時間を一年かけて共有し、共に成長してきたような不思議な「同級生」感覚にとらわれる。「いつ」それぞれの作品が放映されていて、「いつ」それぞれの作品と向き合っていたのかもきっと作品の印象を大きく左右するのだろう。

 前述の中学時代の同級生とも大学時代の同級生とも、このたびはじめて交わす話題であるにもかかわらず、またその時住んでいた地域がまったく異なっていたとしても、クラスメートについての話の続きをするように、『南の虹のルーシー』(1982)や『不思議な島のフローネ』(1981)の話ができるのが不思議。

 僕にとっての「世界名作劇場」は何といっても『赤毛のアン』(1979)で、リアルタイムでこの番組を見始めた最初の作品。『トム・ソーヤーの冒険』(1980)よりも、空想好きで本好きで、孤児(ひとりっ子)であり、将来は教師になるアンに圧倒的に親近感があり(でもどちらかといえばダイアナに惹かれるけれど[笑])、原作小説、映画、そして今でも時々観に行く舞台版も含めて、『赤毛のアン』はこの「世界名作劇場版」版が原風景に。『赤毛のアン』のファンであれば鉄板の見所というか泣き所があるはずで、孤児院から男の子と間違えられてやってきたアンをマシュウとマニラ兄妹が養女として「受け入れる」ことを決断する場面など何度観ても感動してしまう。辻村深月の小説『オーダーメイド殺人クラブ』(2011)では主人公の14歳女子は『赤毛のアン』の熱烈なファンである母親の影響でアンと名づけられ、その熱狂ぶりは娘の視点から見ても少女趣味でイタい母親として描かれており、日本で特に絶大な人気を誇る『赤毛のアン』ファンのあり方が端的に示されている。『フランダースの犬』(1975)が舞台となっているベルギーではほとんど知られておらず、日本独自の人気であることは有名な逸話であるが、日本の大衆文化における海外イメージ受容の観点も含めておもしろい現象/幻想と言える。

 『トム・ソーヤーの冒険』に関しては、先月、作品のモデルとなった町ミズーリ州ハンニバルでの「マーク・トウェインの洞窟」を訪問した際にも思ったのだが、子どもの頃にこの洞窟を訪れていたとしたら、きっと「早く家に帰りたい」と思っていたにちがいない。とはいえ原作の世界観を大事にした丁寧な仕上がりは感嘆するほかなく、もちろん原作と異なる要素もたくさんあるのだけど、青木和代が声優として演じるハックの、おっとりして(おばさんぽい?)いつ訪ねて行っても断らず、つきあいよく応じてくれるハックのキャラクターは独特の魅力を持っている。

 その後も『ふしぎな島のフローネ』(81)、『南の虹のルーシー』(82)と続く漂流・異文化移住路線を楽しんだが、やがてこちらが子ども向け作品を卒業したがり敬遠する時期にもなり、しばらく途絶えてしまった時期もある。『小公女セーラ』(85)、『愛少女ポリアンナ物語』(86)、『愛の若草物語』(87)は熱心に観ていた。『風の谷のナウシカ』(1984)以降、「『ナウシカ』の監督が『赤毛のアン』の作画やってたんだよ。『世界名作劇場』ってすごいらしいぜ」(実際には宮崎駿は作画で関わった作品を評価していないが)といういかにも知ったかぶりのやりとりを周囲で交わしていた背景による。

 『若草物語』以外は「辛気くさい」内容で好きになれなかったが、アメリカの児童文学研究書ジェリー・グリズウォルド『家なき子の物語――アメリカ児童古典文学に見る子どもの成長』(92/翻訳95)で、極貧の生活の中でも一日一つ幸せを探そうとする『ポリアンナ』の宗教的な物語がやはりアメリカの子どもたちにとっても辛気くさく嫌な思い出として回想されることが多いことを知った時は思わず大笑いしてしまったものだ。『家なき子の物語』は19世紀後半をアメリカ児童文学の黄金時代とみなし、その中でも孤児をめぐる物語が多いことに文化史研究の観点から注目した好著であるが、その多くの作品に最初に触れることができたのも「世界名作劇場」を通してであった。

 プリンス・エドワード島では2年に一回、「『赤毛のアン』学会」が開催されているようで、シリーズ連作ものとはいえ一つの作品に限定した学会がしかも2年に一回の頻度で成立することがすごい(次回は2016年の予定で、テーマはジェンダー)。











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